2015年10月16日

古典落語を改革した“天才”、8代目橘家圓蔵


(1992年収録)


 20歳ぐらいの時、京王井の頭線に乗りながら「天才とは誰か」を考えてみたことがあります。その時はとりあえず、日本人2名とアメリカ人2名の名前が思い浮かびました。その計4人のうちの1人が、他ならぬ8代目橘家圓蔵師匠です(念のため書いておくと圓蔵師匠は「日本人」のほうです)。もちろん、今でもその思いは変わりません。圓蔵師匠こそは「天才」と呼ぶにふさわしい落語家でした。

 「天才」を定義するのは難しいのですが、「秀才」が「天才」ではないことははっきりしています。圓蔵師匠の高座はスピーディーでありながらクスグリの密度が高く、努力を重ねることで披露できるようになるような高座ではありません。圓蔵師匠の落語――とりわけ8代目「圓蔵」襲名前後の録音――を聴いていると、脳の使われていない部分が覚醒してくるような気がします。この世に神が存在するとして、その話芸は神から贈られた天性のものだとしか説明できないのです。


 晩年の圓蔵師匠は『無精床』(髭を剃ってほしい客が奇妙な床屋に入ってしまうという噺で、前名の5代目「月の家円鏡」時代から圓蔵師匠の得意ネタだった)を演じることが多く、私が最後に生で聴いたネタも『無精床』でした。あれは2012年11月28日、江戸川区総合文化センターで開かれた『圓蔵一門寄席』でのこと。その頃の圓蔵師匠はもうすでに寄席の高座には上がらなくなっており、毎年恒例のこの会でも「落語」は演じずに「ご挨拶」だけを務める予定になっていました。

 ところが、本番で「事件」が起きました。詳しくはここでは繰り返しませんが(同日付のエントリはこちら)、驚いたことにその日、落語をやる予定ではなかった圓蔵師匠が『無精床』の口演を自ら強行したのです。結局、圓蔵師匠は噺の途中で言葉が詰まり、お弟子さんたちが上手い具合に「じゃあ師匠、ここらで大喜利のコーナーに移りましょう」と引き取ったのですが、この「事件」を通して、私は圓蔵師匠の「落語家」としてのプライドを痛感させられました。


 生前、圓蔵師匠は『火焔太鼓』『寝床』『反対俥』『堀の内』『湯屋番』などの古典落語を爽快なまでにぶっ壊しました。圓蔵師匠の凄いところは、「破壊者」である以上に「創造者」であったところです。古典落語の世界をあえて更地にした上で、シュールでナンセンスで独創的なクスグリを、TGV(超高速列車)を思わせる歯切れのよい語り口で次々と繰り出していく――。こんなことを成し遂げた落語家は、後にも先にも圓蔵師匠しかいません。

 ナンセンスなクスグリ満載の「圓蔵落語」は、立川談志師匠が追求していた「イリュージョン落語」とも相通ずるところがあります。クセのある「イリュージョン落語」は一部の談志ファン(私を含む)にしか通用しませんでしたが、「圓蔵落語」のほうは、新宿や上野、浅草や池袋などの寄席の客を最後まで湧かせ続けました。あれほど談志師匠が苦戦した「イリュージョン」を、圓蔵師匠は日々の寄席で大衆に向けて実践し、しかも「成功」させていたのです。

 圓蔵師匠は、初代林家三平師匠のように漫談(スタンダップコメディ)的な笑いを繰り広げるのではなく、桂米丸師匠や春風亭柳昇師匠のように新作落語で攻めるのでもなく、あくまでも「古典落語」という枠組みの中に留まりながら、大衆が楽しめる高座を展開しました。談志師匠を「落語界の革命児」だとするならば、圓蔵師匠は古典落語に「聖域なき構造改革」を施した改革者だと言えるでしょう。


<おすすめ音源>

 8代目「圓蔵」襲名前後の高座を収録したカセットテープ『傑作ライヴ』全3巻(1984年、ビクター)には、『道具屋』や『堀の内』など「圓蔵落語」を代表するメタでナンセンスな傑作が収められています。しかし、これらのテープはさすがに現在では市販されていません(CD盤での再販熱望!)。

 奇しくも来月(2015年11月)発売されるNHK落語名人選100 (74)(ユニバーサルミュージック)には『鰻の幇間』『猫と金魚』、同(75)には『寝床』が収録予定です。中でもこの『猫と金魚』は9分1秒の小品でありながら「圓蔵落語」のエッセンスが詰まった好演で、落語初心者の人にもおすすめの一席となっています。
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2015年10月12日

これぞ傑作! 私の映画オールタイムベスト10 (予告編付き)


 恥ずかしながら、好きな映画を10本選んでしまいました。
 賛否両論を巻き起こしかねないラインナップですが、まあ、「こういう選び方もあるんだね」「今のあなたはそういう気分なんだね」ということでご了承ください。
 なお、10作品の並びは原題のアルファベット順で、順位はありません。


best10.jpg
▲ 我が愛しの傑作、ジッポン!



<< Greatest Films of All Time >>


● 『リチャード・レスターの不思議な世界』 (1969年/英)
   原題:The Bed Sitting Room
   監督:リチャード・レスター/脚本:ジョン・アントロバス、チャールズ・ウッド



 職人監督として知られるリチャード・レスターだが、彼の本領はシュールなスラップスティックコメディにある。その極めつけは何といっても『リチャード・レスターの不思議な世界』(1969年)だろう。この作品ではスパイク・ミリガンやピーター・クック、ダドリー・ムーアといった英コメディ界のレジェンドたちの若かりし日の演技を堪能できるし(若い頃のクックは二枚目だった)、リタ・トゥシンハムの恋人役を演じているリチャード・ワーウィックの素朴さも好い。トゥシンハムが「あの人は太陽みたいにバカ、だけどそこが好き」とのろける場面にはキュンとさせられる。

 映画の内容はとにかくシュールだ。28秒で終わった核戦争後のイギリスが舞台で、劇中の自称・BBCアナウンサーによればイギリス人の生存者は20人。体が徐々に「家具化」「住宅化」していく者もいれば(原題の「bed-sitting room=ワンルームアパート」はこの設定に由来)、それを治そうとする自称・医師や自称・看護師もいる。さらには自称・牧師やら自称・首相候補やらも現れる始末で、まるでいい年をした大人たちの“おままごと”を見せられているかのようだ。

 考えてみると、この世はすべて壮大な“おままごと”、ロールプレイングなのかもしれない。日本の首相にしたって、私たちが「安倍さんは首相だ」と信じ込んでいるから――選挙や政治制度に正統性を見出しているから――安倍さんは首相ということになっているのであって、それは会社員にせよ経営者にせよヤクザにせよ同じことだろう。みんな、自分の役目や肩書きを精いっぱい演じているだけなのだ。それが分かれば、少しだけ肩の力を抜いて生きていけるような気がする。実のところ、『リチャード・レスターの不思議な世界』は究極の癒し系映画なのだ。



● 『バード★シット』 (1970年/米)
   原題:Brewster McCloud
   監督:ロバート・アルトマン/脚本:ドラン・ウィリアム・キャノン



 不自由でなければ自由にはなれない。ロバート・アルトマン監督の『バード★シット』(1970年)はそんなことを教えてくれるカルト映画だ。ドーム球場の地下室で「空飛ぶ翼」の開発に励む少年の夢と希望、栄光と挫折を描いたこの作品は、映画ならではの遊び心にあふれている。後半のカーチェイスシーンは娯楽性と芸術性をミックスさせたシークエンスで、現場のノリのよさを感じるし、眺めているだけでも楽しい。キャストの大半が『M★A★S★H』(1970年)と重複していることからも、この頃のアルトマンの「勢い」は窺い知れるというものだ。

 この作品は、自由と不自由の関係を暴くシニカルな喜劇であると同時に、連続殺人事件のドラマであり、愛と束縛の物語でもある。登場人物も一癖ある連中ばかりだ。ややもすれば複雑怪奇な作品になってしまうところだが、狂言廻しの鳥類学者が随時「解説」を挿んでくれるおかげで、観客は映画から置いてけぼりを食らわずに済む。この鳥類学者はもともと脚本には存在せず、監督が用意したキャラクターだというから、アルトマンは実は親切な映画作家なのだろう。ただし、彼のその親切さは優しさとイコールではなく、時として残酷さを意味する。

 私が『バード★シット』を振り返って思い出すのは、誰かの台詞というよりも、誰かの無表情や誰かの微笑み、涙が出てくるほど陽気な音楽と、音楽に乗って映し出される誰かの「羽ばたき」だ。この映画では、登場人物の微妙な表情の変化、体の動きが赤裸々に映し取られている。アルトマンはきっと、脚本上の台詞よりもカメラに映し出されるものを信頼していたに違いない。監督が台本に依存しなかったからこそ、この作品は自由と不自由、優しさと残酷さを奇妙に同居させることができたのだし、映画史に残る名フィナーレを飾ることができたのだろう。



● 『永遠に美しく…』 (1992年/米)
   原題:Death Becomes Her
   監督:ロバート・ゼメキス/脚本:マーティン・ドノヴァン、デヴィッド・コープ



 SFX満載のゴシックホラー『永遠に美しく…』(1992年)では、オープニングタイトルからラストカットに至るまで、ロバート・ゼメキスの映画作家としての才能がいかんなく発揮されている。冒頭のミュージカルシーンで、私たちは映し出される舞台の「ダサさ」に惹き込まれることになるだろう。イザベラ・ロッセリーニの名前が表示されるタイミング、舞台上で繰り広げられる冴えないダンス、完全にしらけた客席、ゴールディ・ホーンのさりげない二度見――。この作品の最初の5分間は何もかもが完璧で、私はいつもこのシーンばかりを観返してしまうほどだ。

 もちろん、面白いのは冒頭5分間だけではない。メリル・ストリープがホーンの婚約者(ブルース・ウィルス)を略奪するまでの一連の流れも、婚約者を奪われたショックで激太りしたホーンが魅せる怪演も素晴らしい。ネタバレになるので詳しくは書かないが、ストリープとホーン、二人の「影」が暖炉の灯りで照らし出されるシーンはその映像美に鳥肌が立つし、二人が鍵カッコ付きの「友情」を確かめ合う場面では女の怖ろしさを感じさせられる。やはりゼメキスは伊達じゃない。

 劇場予告編にはトレイシー・ウルマンの姿も映っているが、実際の本編では彼女の出演シーンはすべてカットされた。当時のウルマンは飛ぶ鳥を落とす勢いの人気タレントだったから、ウルマンを役柄ごと切り捨てるのは勇気のいる判断だったはずだ。しかし彼女の出演シーンが削除されたおかげで、ストリープとホーンの対決色が際立ち、物語もすっきりと整理されている。ウルマンには申し訳ないけれど、ゼメキス監督が彼女の出演シーンをカットしたのは大正解だろう。どのシーンを削除するかにも監督のセンスが表れることは言うまでもない。



● 『クリビアにおまかせ!』 (2002年/蘭)
   原題:Ja Zuster, Nee Zuster
   監督・脚本:ピーター・クラマー/脚本:フランク・ハウトアッペルス



 舞台ミュージカルを映画化するのは難しい。舞台をそのまま再現するのでは「劇場中継」と変わりないし、実験的な映像表現に傾くのではミュージカルとしての一貫性が損なわれる。その点、1960年代のオランダで放送されたテレビシリーズとその舞台版を原作とする『クリビアにおまかせ!』(2002年)は、舞台演出家でありながらテレビドラマも手掛けるピーター・クラマーが監督しただけあって、舞台と映像の両方から「いいとこどり」している。Doopのヒット曲『Ridin'』(1996年)のミュージックビデオでみせたようなカラフルな衣装へのこだわりも健在だ。

 劇中のミュージカルナンバーはもともとは1960年代のテレビシリーズ版で放送されたもので、オランダでは誰もが知る懐メロだった。舞台化・映画化に際して、クラマーはそれらの楽曲を見事に「再生」させている。雨の中を通行人が踊る『Met U Onder Een Paraplu』、金髪イケメン俳優の白ブリーフ姿をフィーチャーした『Duifies, Duifies』、ガラス窓の使い方が印象的な『Stroei Voei』、ポップで個性的なダンスが楽しい『De Twips』、白昼の“おじいさん”賛歌『M'n Opa』など、心浮き立つミュージカルシーンは枚挙にいとまがない。

 療養所のナース・クリビアと入所者たち、意地悪な大家さん、好青年風の泥棒、妻を亡くしたギリシャ移民など、『クリビアにおまかせ!』には一風変わったキャラクターが揃っている。彼らのドタバタ劇を見て気付かされるのは、この世には本当の意味での「凡人」など存在せず、すべての人間は一人ひとり「変人」であるということだ。そうである以上、社会から「変人」を排除しようすることではなく、みんなが少しずつ歩み寄ることこそが、みんなが楽しく暮らすための方法なのではないか。この映画はそんなことを明るく伝えている映画でもある。



● 『監督・ばんざい!』 (2007年/日)
   英題:Glory to the Filmmaker!
   監督・脚本・編集:北野武



 北野武監督の『監督・ばんざい!』(2007年)は何度観ても面白い快作で、ヨーロッパの芸術と日本のお笑いを融合させたような作品だ。映画監督キタノが得意のギャング映画を封印し、「あれでもない、これでもない」と次々に新作「映画」を撮りっ放すという劇中劇+オムニバス形式をとっているが、どの「映画」にもキタノが出ているため、観客は観ているうちに現実と虚構の境目が分からなくなってくる。後半の「SF映画」パート(岸本加世子と鈴木杏が母娘役を好演)を観ている頃には、この「SF映画」パートが劇中劇であることさえ忘れてしまう。

 気分としては、合わせ鏡に映る自分を見ている時の感覚に近い。ここに一枚しか鏡がなければ、目の前に映る人間が自分の「コピー」で、ここに立っている自分が「原本」であることを疑うことなどない。しかし、鏡を何枚も重ね合わせると、自分の「コピー」が鏡の世界で無限に映し出され、どこからどこまでを「コピー」と呼ぶべきか分からなくなってくる。それどころか、ここに立っている自分が本当に実在する「原本」なのかどうかすら怪しく思えてくる。こうして、観客はこの映画を通して「自分は何者なのか」という哲学上の最難問に向き合う羽目になる。

 『監督・ばんざい!』の素晴らしいところは、最後にきちんと「鏡」を割ってくれるところだ。「自分は何者なのか」という恐怖感を、「自分は何者でもあり得る」という解放感へと鮮やかに転換するラストシーンは、全映画ファン感涙の名場面だと思うのだが……。いかんせん、この作品は国内での評価が低すぎる。これほど哲学的なテーゼがこれほどバカバカしく仕上がっているのは、芸術家でもあり批評家(漫才師)でもある“北野武=ビートたけし”の面目躍如といったところか。



● 『カインド・ハート』 (1949年/英)
   原題:Kind Hearts and Coronets
   監督・脚本:ロバート・ヘイマー/脚本:ジョン・ダイトン



 視覚芸術のはずの映画でナレーションを使用するなどけしからん、という人がイーリング・スタジオ製作、ロバート・ヘイマー監督の『カインド・ハート』(1949年)を観たら絶句するだろう。というのも、この作品では主人公のナレーションが全編を支配しているからだ。この映画が「ある死刑囚の回想」というスタイルをとっているがゆえのことだが、むしろナレーションと映像の華麗なる相乗効果こそが、この映画を唯一無二の名作ブラックコメディに仕立て上げている。

 「優しい心と宝冠」という原題が示唆しているように、この映画はイギリスの貴族制を扱った映画だ。主人公の母はもともとは貴族の一員だったが、オペラ歌手の恋人と駆け落ちしたために一族から勘当された。その母が亡くなって、主人公は「母を一族の墓に埋葬してあげたい」と申し入れるも、母のかつての実家からはにべもなく断られてしまう。そこで主人公は、自分より上位の爵位継承権者8人を殺害し、一族の爵位を奪うことを決意する。自分が貴族になることで貴族への復讐が完結する、というこの物語のストラクチャーは実に皮肉めいたものだ。

 この作品は、名優アレック・ギネスが1人8役を演じていることでも名高い。その8役とはもちろん、主人公に殺害される貴族たちのことである。つまり主人公はヤマタノオロチの首を一本ずつ切り落とすように、同じ顔をした貴族たちを殺していかなければならないわけだ。ギネスによる人物の演じ分け、そして「殺されっぷり」は見事としか言いようがない。主人公によるナレーションと映像の相乗効果、一族全員が殺害されるという脚本、1人8役というキャスティング――。これらの奇抜な要素が掛け合わさったことで、『カインド・ハート』という奇跡的名画は誕生した。



● 『レディ・イヴ』 (1941年/米)
   原題:The Lady Eve
   監督・脚本:プレストン・スタージェス



 脚本家は、脚本を書き終えた時点で本来の役割を終える。脚本上で構築されたその世界観を、独自の感性に基づいて具現化するのが監督の仕事だ。だから、もし両方の才能を備えているのならば、一人の人間が脚本と監督を兼ねることが望ましい。ハリウッド初の脚本家出身監督とされるプレストン・スタージェスは、当然のようにすべての監督作であらかじめ脚本を担当した。そのためか、スタージェスの創りだした喜劇はどれも統一された躍動感に満ちており、製作から数十年以上経った現在も色褪せることがない。

 とりわけ、彼の代表作の一つ『レディ・イヴ』(1941年)は、スクリューボールコメディとしても、シチュエーションコメディとしても、ソフィスティケイテッドコメディとしても高度に洗練された作品だ。詐欺師の娘(バーバラ・スタンウィック)が色仕掛けでエール会社の御曹子(ヘンリー・フォンダ)から金を騙し取ろうとするも、御曹子に本気で惚れてしまったからさあ大変。御曹子のほうも娘に惚れて、二人は結婚を約束してしまったからなお大変――というお話だが、「喜劇の神様」とも称されるスタージェスは中盤でさらに劇的な仕掛けを用意している。

 真に優れた喜劇とは、「人間がしている面白いこと」ではなく「面白いことをしている人間」を描くものだろう。『レディ・イヴ』が良質な喜劇として評価されるのは、ドラマの中で伏線が散りばめられ、出来事に翻弄される人間の喜怒哀楽を表しているためだ。観客はこの作品の前半で恋愛の「恋」の部分を楽しみ、後半で「愛」の部分に夢中となる。しかし前半でも後半でも、作品の主題は「人間」であり「感情」である。前半と後半が何の違和感もなくつながっているのは、スタージェスが脚本家としても監督としても喜劇の本質を熟知していたからに違いない。



● 『プロデューサーズ』 (1968年/米)
   原題:The Producers
   監督・脚本・作詞・作曲:メル・ブルックス



 公演が黒字になったら出資者に儲けを分配しなければいけないが、赤字だったら分配する必要がない(そもそも分配に充てる儲けがない)。それならば公演が半端に成功するよりも、大失敗して一晩で閉幕したほうがプロデューサーは儲かる――。出資者にとってハイリスクな仕組みを悪用し、かつての大物プロデューサーと臆病者の会計士がコンビを組んで“史上最低”のブロードウェイミュージカルを製作する、というのが『プロデューサーズ』(1968年)のあらすじ。

 私の神様、メル・ブルックスの作品から一本だけ選ぶなんて本来は不可能なのだが、今の気分であえて一本だけ選んでみた。劇中歌『ヒトラーの春(Springtime for Hitler)』の楽しさについてもはや言うことはない。ここで特筆しておきたいのは、本編における悪徳と友情の描写のバランスのよさだ。マックス・ビアリストックとレオ・ブルームの二人はただ犯罪に手を染めているわけではないし、ただ仲がいいわけでもない。これは「ブロマンス」などという生ぬるい話ではない。この作品では人間の愚かさと美しさが絶妙の加減で描かれている。

 この映画は、2001年にブルックス自身の手によってブロードウェイミュージカル化され、2005年にはそのミュージカル版が映画化された。1968年のオリジナル版と2001年のブロードウェイミュージカル版ではわずかに設定が異なるが、少なくともラストシーンに関しては私はオリジナル版のほうが好みである(もっとも、華やかさが求められるブロードウェイでオリジナル版の終わり方が許されないことは承知している)。劇中歌『愛の囚人(Prisoners of Love)』の合唱で締めくくられるラストシーンは、今なお私に最高のカタルシスを呼び起こすものだ。



● 『赤ちゃん泥棒』 (1987年/米)
   原題:Raising Arizona
   監督・脚本:ジョエル・コーエン/脚本:イーサン・コーエン



 フランク・キャプラ作品への愛が詰まった『未来は今』(1994年)でコーエン兄弟を知って以来、彼らの作品はすべて楽しんできた。中でも、『赤ちゃん泥棒』(1987年)を初めて観た時の興奮と感動は未だに忘れられない。映画の冒頭、ニコラス・ケイジ演じる元コンビニ強盗の主人公に「俺が再犯を繰り返したのはレーガンの経済政策が悪かったせいなんだ」と語らせた後で、「……いや、彼は評判のいい人だから、悪いのはきっと顧問たちなんだろうな」と付け加えるセンスのよさ。主人公のどこか憎めないキャラクターがこの台詞に凝縮されている。

 『赤ちゃん泥棒』のシナリオはなかなか過激なものだ。コンビニ強盗が拘置所で出会った女性警官と結婚するも、夫婦の間に子どもはできず、養子ももらえない。そんな時に「アリゾナ州で5つ子誕生」のニュースに接したこの若き夫婦は、「5人のうち1人ぐらいならいいだろう」ということで“赤ちゃん泥棒”を計画する――。この夫婦のやっていることは明白な犯罪で、動機もそれなりに深刻なのだが、コーエン兄弟は登場人物たちの行動をあくまでもコメディとして表現している。

 この兄弟は、喜劇と悲劇が表裏一体であることを誰よりも深く知る監督である。『赤ちゃん泥棒』のテーマ曲『Way Out There』も、ただの陽気なカントリーナンバーのように思えて、聴いているうちに寂しい気持ちになってくるから不思議だ。パニック状態の妻を夫がなだめる場面や、ストッキングを被った夫が強盗に失敗する場面では、ひとしきり笑わされた後に、人間の弱さや人間関係の脆さを痛感させられる。それでもこの作品の「読後感」がどこかあたたかいのは、アホらしさや不器用さをも含めて、コーエン兄弟が人間の有り様を愛しているからだろう。



● 『パロディ放送局UHF』 (1989年/米)
   原題:UHF
   監督・脚本:ジェイ・リーヴィ/脚本:アル・ヤンコビック



 『パロディ放送局UHF』(1989年)について今さら何を語ろうか。この作品こそは、私にパロディの面白さを教えてくれた作品であり、コメディの素晴らしさを教えてくれた作品である。パロディ音楽の第一人者、アル・ヤンコビックが主演で、監督はヤンコビックのマネージャーであるジェイ・リーヴィ。後に『となりのサインフェルド』(1989年〜1998年)で人気を博すことになるマイケル・リチャーズ、当時『SNL』のレギュラーだったヴィクトリア・ジャクソン、ジョー・ダンテ作品の常連役者であるケヴィン・マッカーシーなど、共演陣も実に「濃い」顔ぶれだ。

 妄想癖のある主人公がひょんなことから弱小UHF局を経営する、というこの物語は、「友情」「恋愛」「正義」などの要素を盛り込んだ分かりやすいサクセスストーリーで、当時中学生だった私を楽しませるには打ってつけの作品だった。劇中のUHF局でオンエアされているという設定の架空のコマーシャル、架空の番組予告群、そして架空の映画予告『ガンジー2』(あのガンジーがステーキを喰らい、暴力を振るう!)は、パロディのお手本として今でも私の脳裏に焼き付いている。劇中ミュージックビデオの無駄なカッコよさも忘れられない。

 コンピューターと同じように、人間の心にも「容量」がある。人間の場合に特殊なのは、「空き容量」がその時々の気分や状況によって大きく変動するということだ。まじめに生きる人々にとって、この世はあまりにも過酷で厳しい。現実は「容量」を蝕んでいく。そんな時、『パロディ放送局UHF』のような楽しいコメディ映画は、心の「空き容量」をきっと増やしてくれるはずだ。増える「容量」はわずかだし、観たところで悩みが解決するわけではない。だが、少しでも「容量」が残っていれば、とりあえず今日を生きられる。今日を越えれば、「明日は明日の風が吹く」。


(2015年10月記)
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2015年05月21日

さよなら、レターマン! 最後まで“ホスト”であり続けた男


現地時間20日、CBSの深夜トークショー番組
『レイト・ショー・ウィズ・デイヴィッド・レターマン』が
最終回を迎えました。

david_letterman_last_show.png
デイヴィッド・レターマン


この番組は、デイヴィッド・レターマンという
アメリカの国宝級コメディアンが司会を務める平日の帯番組で、
1993年8月30日に放送を開始した番組です。

それ以前にも、レターマンはNBCで
『レイト・ナイト・ウィズ・デイヴィッド・レターマン』という
番組の司会を担当していたので(詳しくはこちら)、
今回、レターマンは、33年間に及ぶトークショーホストのキャリアに
自ら終止符を打ったことになります。



昨年(2014年)3月、日本のフジテレビでも
『森田一義アワー 笑っていいとも!』が最終回を迎えましたが、
終了間近の『いいとも!』に豪華ゲストが押し寄せたように、
『レイト・ショー』でも最終回に向けて特別な趣向が凝らされました。

『レイト・ナイト』初回(1982年2月1日)でも
『レイト・ショー』初回(1993年8月30日)でも最初のゲストだった
ビル・マーレイは、2015年5月19日、
『レイト・ショー』最後のトークゲストとして出演。
彼は、「レターマンが深夜トークショーホストになった日」と
「それを終えた日」の両日に立ち会ったわけですね。

もちろん、レターマンの盟友であるマーレイは
「最初」と「最後」だけではなく何度もレターマンの番組に出演しており、
5月19日の放送では名場面集が放送されました。
この名場面集からは2人の仲の良さが伝わってきます。





深夜トークショーには音楽ゲストが付きものですが、
中でも『レイト・ショー』は音楽ゲストの人選に力を入れており
(超有名ミュージシャンから新進気鋭のバンドまで)、
私もこの番組の音楽コーナーで多くのアーティストを知りました。
そういえば、フェニックスも『1901』を歌いに来ていたっけ……。



2015年5月19日(つまり最終回の一つ前の回)には
1993年以来22年ぶりの『レイト・ショー』出演となる
“生ける伝説” ボブ・ディランが登場しました。
今回、ボブ・ディランが歌ったのは、
今年2月に発表されたニューアルバムに収録されている曲です。

国民的長寿番組の実質的なレギュラー最終回ですから
普通だったら特別な曲で華々しく盛り上げるところですが、
レターマンの『レイト・ショー』は
最後まで音楽コーナーを「歌手のプロモーションの場」として設定。
レターマンは、あくまでもホスト(仕切る側)として
ある意味で淡々と『レイト・ショー』のラストを飾ったのです。




――そして迎えた2015年5月20日。
レターマンが司会を務める最後の『レイト・ショー』は、
ジェラルド・R・フォード元大統領の有名な就任演説
「Our Long National Nightmare is Over...」を引用した
映像コントから始まりました。

ジョージ・H・W・ブッシュ、ビル・クリントン、
ジョージ・W・ブッシュの歴代大統領(いずれも本物)が登場し、
バラク・オバマ現大統領が「オチ」を担当しています。
アメリカのバラエティ番組と政治家の関係性は本当に独特ですね。



映像コントの後、レターマンがいつものように登場。
収録スタジオのあるエド・サリヴァン・シアターの観客は
スタンディングオヴェーション(総立ち)でレターマンを迎えます。

さらにその後、最終回ならではの
懐かし映像や撮り下ろし特別映像が放送されました
(『もしもレターマンがタコベルで働いたら』は不朽の名作!)。




番組の名物コーナー「Top Ten」は、
毎回、1つのお題に10個のジョークを当てはめる
レターマンの「一人大喜利」的なコーナーです。
最終回のお題は、「前からデイヴに言いたかったこと」。

記念すべき最終回ということで、
10のジョークを言うために10名のサプライズゲストが登場。
ビル・マーレイ、スティーヴ・マーティン、バーバラ・ウォルターズ、
アレック・ボールドウィン、ジェリー・サインフェルド、
ジム・キャリー、ティナ・フェイ、クリス・ロックらが華を飾りました。



『レイト・ショー』の後任司会者:スティーヴン・コルベアに
愛情あふれるエールを送り、ついに別れの挨拶。
レターマンが「Thank you and Good night.」と言い終えると、
フー・ファイターズが『Everlong』の生演奏を開始します
(この曲はレターマンの一番好きな曲)。
音楽とともに映し出されるのは、懐かしの映像と写真です。



本当の本当のラストは、スタッフクレジットでお別れ。
『レイト・ショー』をめぐっては
過去には脚本家ストライキ騒動(2007年)などもありましたが、
この番組が多くのスタッフに支えられていたことは
紛れもない事実だし、視聴者も理解しておくべきことでしょう。




――さて、レターマンといえば(?)、ジェイ・レノ。
長年に渡る2人の対立関係は
このブログでも過去に触れた通りですが(詳しくはこちら)、
自身の冠番組の最終回でも2人の違いは明確に現れていました。

昨年(2014年)2月に放送を終了した
NBC『ザ・トゥナイト・ショー・ウィズ・ジェイ・レノ』最終回にも
やはりサプライズゲストたちが登場しましたが
(ビリー・クリスタルやオプラ・ウィンフリー、ジム・パーソンズなど)、
自らの冠番組の最終回におけるレノは
ゲストたちから「お別れの歌」を聴かされる「受動的」な立場。
番組ホストであるはずのレノが、
最終回ではまるでスペシャルゲストのように扱われていたのです。

これに対し、『レイト・ショー』最後の
音楽コーナーでもボブ・ディランの新作アルバムを紹介し、
名物コーナーではゲストたちをネタ要員に「使用」したレターマンは、
最後までホスト(仕切る側)であり続ける「能動的」な立場でした。
私は、まさにこの点にこそ、2人の違いが現れているように思います。

人気者として「花束を贈られる側」になる道を選んだレノと
最後まで「Master of Ceremony」であり続けたレターマンは、
やはり、コメディアンとして対照的な存在だと言わざるを得ません。
(ちなみに、ここでの「能動的」「受動的」とは
「番組内で出しゃばっているか否か」とはまったく異なるお話です。)



――デイヴィッド・レターマンは引退してしまいましたが、
『レイト・ショー』の看板自体は存続します。
今年9月から始まる新生『レイト・ショー』の司会者は、
コメディ・セントラルの風刺バラエティ番組『コルベア・リポー』で
不動の地位を獲得したスティーヴン・コルベア。
レターマンの後継者と呼ぶにふさわしい人気コメディアンです。

この2人は過去にも『レイト・ショー』で共演していますが、
それだけではなく、昨年(2014年)12月の
ケネディ・センター名誉賞授賞式でも「共演」しています
(ケネディ・センターはこのブログにしばしば登場しますね……)。



動画をご覧頂ければ分かるように、
2012年の名誉賞受賞者:デイヴィッド・レターマンが
2014年の名誉賞受賞者:トム・ハンクスの業績を紹介するために
プレゼンターとして登場するのですが、
なぜかスティーヴン・コルベアも舞台後方からやって来てしまう。

場違いのコルベアに向かってレターマンが一言、
「Not yet. (まだ早いよ)」。
――これは、翌年(2015年)に控えた
コルベアの『レイト・ショー』司会就任と絡めたギャグですね。
アメリカ在住者なら笑わざるを得ない楽屋オチのギャグです。

ちなみに、なぜ同授賞式の場にコルベアが居たのかというと、
この年の授賞式ではコルベアが司会役を務めていたから。
同授賞式には大統領夫妻が出席するのが恒例ですが、
司会のコルベアは「本日は素晴らしい方にお越し頂いております。
……ミシェル・オバマとその夫です」
といったシニカルなジョークを本人たちの前で飛ばしていました。



――何はともあれ、デイヴィッド・レターマンという
国宝級のコメディアンが国民的番組『レイト・ショー』を去り、
アメリカのテレビ界では着々と世代交代が進行しています。
今年8月には、ジョン・スチュワートも
コメディ・セントラルの『ザ・デイリー・ショー』を降板予定です。

今年9月からは、コナン・オブライエン(TBS『Conan』)、
ジミー・キンメル(ABC『ジミー・キンメル・ライヴ!』)、
ジミー・ファロン(NBC『ザ・トゥナイト・ショー』)、
そしてスティーヴン・コルベア(CBS『レイト・ショー』)らが
「深夜トークショー戦争」で熾烈な争いを繰り広げることになります。

深夜トークショーのホストになることは、
アメリカのコメディアンの最終目標と言っても過言ではありません。
「夢を叶えた男たち」が今後どのような競争を展開するのか。
そして、彼らの番組から次代を担うコメディアンが登場するのか。
世代交代と切磋琢磨を繰り返し、コメディ界は進化していくのです。
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