2018年12月07日

現代が欲する“フィジカル” 『ジョニー・イングリッシュ アナログの逆襲』


先日、TOHOシネマズ川崎で
映画『ジョニー・イングリッシュ アナログの逆襲』を観ました。

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 <あらすじ>
舞台は現代のイギリス。正体不明の者からのサイバー攻撃を受けて、
諜報機関「MI7」の現役スパイたちの個人情報が流出してしまう。
政府はやむを得ず、“教師”として隠遁生活を送っていた元スパイの
ジョニー・イングリッシュ(ローワン・アトキンソン)を現場に呼び戻し、
この空前絶後の“アナログ男”にサイバー攻撃事件の捜査を任せる。



誰もが知る国際的コメディアン:ローワン・アトキンソン主演の本作は、
実に7年ぶりに公開されるシリーズ最新作(にして第3作)です。
続編までの間隔が数年間もあるのはアトキンソンの計算とのこと。
過去作──特に第1作の『ジョニー・イングリッシュ』(2003年)──を
事前に観ておいたほうがより楽しめることは間違いありませんが、
本作はシリーズ中で最も充実している作品なのではないでしょうか。

スティーヴ・ペンバートン&リース・シェアスミス主演のダークコメディ
Inside No. 9』(BBC2)の演出で注目されるデヴィッド・カーが
初監督を務め、シリーズ第2作『── 気休めの報酬』(2011年)では
脚本を外れていたウィリアム・デイヴィスが単独で脚本にカムバック。
さらに、第1作でのイングリッシュ(アトキンソン)の“相棒”だった
ボフ(ベン・ミラー)もこのおバカなコメディシリーズに帰ってきました。

製作・配給会社側もボフの“復帰”を一つの売りにしている様子で、
本作の公式Twitterにも「世界一面白いスパイコンビが帰ってきた
という画像付きツイートが公開にあわせて投稿されています。
第2作でのタッカー(ダニエル・カルーヤ)もボフと位置付けは同様で、
カルーヤの演技も悪くなかったものの、たしかにイングリッシュの
忠実な”アシスタントとしてはベン・ミラー演じるボフが最適でしょう。




本作のギャグはシリーズ過去作──というより、『Mr.ビーン』(ITV)を
筆頭とするアトキンソンの作品とまったくもって同系統の笑いです。
「危険な授業は行っていない」と説明する教師の背後で生徒たちが
危険な訓練に励んでいたり(第1作の爆破シーンを彷彿とさせます)、
“睡眠爆弾”を誤作動させたり、ミスの連発で大火事を起こしたり、
ドヤ顔で決め台詞を言い放った直後に自分たちが窮地に陥ったり──。

悪い言い方をすれば、これらはアトキンソンがこれまで量産してきた
ギャグの焼き直しにすぎませんが、しかし私はこれらのギャグを観て、
ギャグを演じているアトキンソンを観て、心からの喜びを抱きました。
映画通から大袈裟だと笑われることを承知で申し上げるならば、
いわゆる“キーストン時代”から“ミューチュアル時代”に至るまでの
チャップリンの短編を観ている時と同様の幸福感に包まれたのです。

10代の頃には『Mr.ビーン』もチャップリンも好きではなかった私が、
両者のことを愛するようになったのはわずか数年前からのことです。
彼らの身体表現には、時代を超える生身の人間のおかしみがある。
だからこそ、フィジカルコメディアン、ビジュアルコメディアンとしての
(ひょっとすると)最後の国際的大スターであるアトキンソンが
この“超デジタル時代”に本作を世に放った意味は大きいと感じます。

それが決して作品の“つまらなさ”を導いてるわけではないにしても、
近年のアクション映画はコンピュータの存在に頼るものばかりです。
主役が人間なのか電子機器なのか分からない作品さえあるほど。
そんな中、スパイ活動のデジタル化に背を向け、最終的にはiPadを
“物理的に”使用して任務を完遂するイングリッシュの活躍ぶりは、
最近のアクション映画への爽やかなアンチテーゼとなっていました。

実のところ、現代人には生身の人間が、肉体で表現されるギャグが、
人間が視覚的にドタバタする喜劇映画がますます必要なのです。
10代の頃の私は我執のあまり気付くことができずにいましたが、
いまでは現代社会のフィジカルコメディの必要性を確信しています。
本作『ジョニー・イングリッシュ アナログの逆襲』のメガ級ヒットは、
僭越ながら、私のその確信を実証する客観的事実と言えるでしょう。



本作には過去作からの単なる焼き直しに留まらない、“ちょっとした”
オリジナリティを感じさせるギャグもあったことを特筆しておきます。
例えば、邪魔なサイクリング集団に小型ミサイルを撃ち込んだり、
VRシュミレーターを誤用したり(この件は本作最大の見せ場でしょう)、
車の中でゴムボートを開いたり、教習中の自動車を拝借したり──。
ただし最後のは『裸の銃を持つ男』(1988年)からのパクリですが。

以上のようなあくまでビジュアルなギャグが提示されていく一方で、
携帯電話を持つことを拒否した“アナログな”イングリッシュのもとへ
デジタルファイルの代わりに大量のFAX資料が送り付けられたり、
ボフの妻が“原子力潜水艦長”に設定されていたりといった小ネタは、
アトキンソンの主演作にしては比較的ハイブロウなギャグであり、
本作にコメディ映画としての幅広さをもたらしていると評価できます。

むろん、どんな種類の笑いを示すとしても間とテンポが肝心要です。
数々の人気コメディドラマの演出を手がけてきたカー監督と、
英国コメディ史に輝く『マイティ・ブーシュ』(BBC3)の編集も務めた
気鋭のエディター:マーク・エヴァーソンによる快調なテンポ作りが、
“2018年が欲していた”フィジカル&ビジュアルコメディ映画として
本作を内容的かつ興行的に大成させたことは疑うべくもありません。



▲ 『ザ・レイト・ショー・ウィズ・スティーヴン・コルベア』 (CBS) 2018年10月24日放送分より
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2018年10月21日

どこか懐かしい“教育ビデオ”の世界 『ブリグズビー・ベア』


先日、キネカ大森で
映画『ブリグズビー・ベア』(2017年)を観ました。
同時上映は『犬ヶ島』(2018年)。

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 <あらすじ>
小さなシェルター内で“両親”(マーク・ハミル、ジェーン・アダムス)と
ともに暮らす25歳の青年ジェームス(カイル・ムーニー)は、
子ども向け教育番組『ブリグズビー・ベアの冒険』の大ファンである。
いつものように“番組”の世界の研究に勤しんでいたある日の晩、
遠くのほうから警察がやって来て、“両親”をいきなり逮捕してしまう。

 (以下の文章はネタバレを含みます!)



バラエティ番組『サタデー・ナイト・ライブ』(NBC)の現役レギュラー、
カイル・ムーニーの初主演映画である本作は、言うなれば、
“ムーニーとその仲間たち”によって制作されたコメディ=ドラマです。
中学生の頃にカイル・ムーニーが着想したという原案に基づき、
ムーニーの中学時代からの友人がムーニーとともに脚本を執筆し、
やはり中学時代からの盟友デイヴ・マッカリーが監督を務めました。

ムーニー&マッカリーの南カリフォルニア大学時代の同級生であり、
大学卒業後はともにコントグループを結成したベック・ベネット、
ニック・ラザフォードの2人も本作にちょっとした役で出演しています
(ちなみにこの4人は全員が『SNL』のキャスト/ライター経験者です。
ムーニーとベネットは2013年から今なおレギュラー出演しており、
マッカリーも不定期で単発スケッチの脚本・演出を担当しています)。

ムーニー&マッカリー組が『SNL』内で発表してきたスケッチのうち、
私が特にお気に入りなのは『Ice Cream』というスケッチです。
客(ベネット)が発した“取るに足らないジョーク”の意味が分からず
店員(ムーニー)の脳内が混乱を来すという短めのコントですが、
シュールな“短編映画”として実に美しく完成されていると思います。
私はこのコントを観て以来、ムーニーを高評価するようになりました。


▲ 『サタデー・ナイト・ライブ』 (NBC) 2013年11月2日放送分より



アンディ・サムバーグをはじめとする“ザ・ロンリー・アイランド”と
フィル・ロード&クリストファー・ミラーの製作で公開に至った本作は、
実際のところ、スリリングな事柄をテーマに据えています。
すなわち、「強制されていた幸福を正当化することは許されるか」。
監禁先での押し付けられた思い出に“幸せ”を見出すことは、
強制収容所での“喜び”を認めるのと同様の危うさを有しています。

興味深いのは、ジェームス(ムーニー)の身柄が解放されたのち、
“本当の両親”もまた彼に“幸福”を押し付けようとしていることです。
スポーツをさせるなどして息子の“正常化”を試みる行為は、
“偽の両親”のそれと同様、結局は親のエゴイズムにすぎません。
“異常な両親”と“正常な両親”の子育てを同列化させることで、
本作は「強制」をめぐる議論にもう一歩深く踏み込んでいるのです。

その一方で、「この映画は誘拐や監禁を容認してはいまいか」との
批判が浮上することを危惧していたとみえて、本作の制作者は、
ジェームスが『ブリグズビー・ベアの冒険』の新作を撮影する目的を、
あくまでも「物語を自分の手で完結させるため」と設定しています。
ジェームスの前に現れた幻想上の“ベア”は最後には自ら消滅し、
過去(“ベア”)は自ら切り開いた現実によって克服されたのでした。

いまいち腑に落ちなかったのは、ジェームスを取り巻く家族や友人、
警察官までもが、ジェームスに対して“優しすぎる”ことです。
当然ながら、これはジェームスが長期間の犯罪被害者であるため
(それゆえに精神年齢が実年齢に追い付いていないため)ですが、
当のジェームス本人が自身を“被害者”と認識していないため、
周囲の者たちの態度はただ“過保護”であるようにしか見えません。

“過保護”とは一方がもう一方を見下すからこそ生じる態度ですが、
その点、ジェームスと対等に接する(ことしかできない)
精神科の入院患者エリック(サムバーグ)との交流は胸を打ちます。
「ハートウォーミングなコメディ」と紹介されがちな本作ですが、
私は精神科病院でのジェームスとエリックの不器用な交流こそが
本作の唯一にして最良のハートウォーミングな描写だと感じました。



“強制” “精神科”といった単語のせいで勘違いされるのを防ぐため
慌てて書き記しておくと、この映画のタッチは全体的に柔和です。
我が主演俳優はもとより、マット・ウォルシュミカエラ・ワトキンス
ジョージ・レンデボーグ・Jr.らの演技はカジュアルで親しみやすいし、
さすがは『SNL』現役レギュラーと“その仲間たち”による映画だと
感心させられるような“ギャグらしいギャグ”もそれなりに存在します。

本編序盤のオナニーのシーンは機械的であるがゆえに微笑ましく
(ただしそれはオナニーは本能的な行為だとの指摘でもある)、
ジェームスとヴォーゲル刑事(グレッグ・キニア)の会話も愉快です。
そしてもちろん、子ども向け番組『ブリグズビー・ベアの冒険』!
VHSマニア”の制作陣らしく、ビデオテープ特有の質感によって、
独創的なのにどこか懐かしい教育ビデオの世界を展開しています。

ムーニー&マッカリー組はもともと、『SNL』内のスケッチにおいて、
1990年代の文化や空気感への郷愁を前面に押し出してきました
(中でも“1990年前後風シットコム”の数々は必見でしょう)。
彼らの長編デビュー作となった本作は、まさしく“VHS時代”を愛好し、
ファンタジックな環境設定とシュールな笑いをためらわないという
芸風・作風がいかんなく発揮された、柔らかくも刺激的な映画です。



▲ 『ブリグズビー・ベア』 (2017年) 特報



 <追記>
ところで、本作を鑑賞した直後に思い出した映画が一つあります。
ウィル・フェレル&アダム・マッケイの製作会社がプロデュースし、
クリステン・ウィグが主演した『Welcome to Me』(2014年)です。
物語の方向性や登場人物の心境などは位相を異にするものの、
“番組”マニアの病的な主人公が自己満足を追求した結果として
人生を再生させていくという点に、近似性が確かめられるのです。

いまや映画の観客の数人に一人は心の病を抱えている時代です。
コメディ作品には様々なパターンやバリエーションがありますが
(決して「緊張と緩和」などという一概念では説明し切れません!)、
精神疾患的な主人公の置かれた立場に寄り添うような作品が
コメディとして成り立っている現状を鑑みると、“抗うつ剤”としての
コメディ映画のさらなる新たな可能性についても考えさせられます。


▲ 『Welcome to Me』 (2014年) 予告編
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2018年10月14日

人種差別がテーマの“コメディ≒ホラー” 『ゲット・アウト』


先日、キネカ大森で
映画『ゲット・アウト』(2017年)を観ました。
同時上映は『ドント・ブリーズ』(2016年)。

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 <あらすじ>
ニューヨークで活動する黒人の写真家クリス(ダニエル・カルーヤ)は、
白人の恋人ローズ(アリソン・ウィリアムズ)から実家に招待された。
ローズが家族に“彼氏が黒人であること”をまだ伝えていないと知り、
若干の不安を抱くものの、ローズからは「心配はいらない」と諭される。
かくして彼女の実家を訪れたクリスは、過剰な歓迎を受ける一方で、
黒人の使用人たち(ベティ・ガブリエルら)に妙な違和感を覚え始める。



本作は、私がかねてより信頼してやまないアメリカの“お笑いコンビ”、
“キー&ピール”のジョーダン・ピールが初めて監督した映画です。
この2人は『サタデー・ナイト・ライブ』(NBC)の“裏”で放送されていた
マッドTV!』(FOX)の準レギュラー(後にレギュラー)として知り合い
(ちなみに私は『SNL』よりも『マッドTV!』のほうが好みでした)、
2006年にはアル・ヤンコビックの楽曲MVにも揃って出演しています。

同番組卒業後もコント番組『Key & Peele』(コメディ・セントラル)で
コンビを組み続け、2016年には『キアヌ』という秀作を発表しました。
キーガン=マイケル・キーが製作を務め、ピールが脚本を書き、
そして2人がW主演している、非常に好感の持てるコメディ映画です。
数年前には、『ポリスアカデミー』シリーズ(1984年〜1994年)の
リブート版プロデューサーに2人が就任したという話も報じられました。


▲ 『キアヌ』 (2016年) 予告編



本作『ゲット・アウト』はジャンル的には“ホラー映画”と分類されます。
これまで真っ直ぐに“コント畑”を歩んできたコメディアンのピールが
初監督作でホラーに挑むとの報せは驚きをもって迎えられましたが、
実際のところ、コメディとホラーには多くの共通項があります。
“前フリ”の効果的な働きによって結末(“オチ”)が生じるという構造、
現実を逆手にとって視聴者の固定観念をズラしていく精神などです。

本作は典型的な“コメディ”ではないが、典型的な“ホラー”でもない。
ピール自身は本作の性質を「社会派スリラー」と定義していますが、
私としてはどうしても、この『ゲット・アウト』という名の映画のことを、
映像表現ならではのミステリー要素やサスペンス要素をも孕んだ
一種の“ブラックコメディ” “ダークコメディ”として認識してしまいます。

相手の“肌の色”を蔑視していないことを強調しようとするあまり、
余計に気まずさが生じてしまうという状況は喜劇的構造そのものだし
(実は本作におけるその描写はネタバレに繋がる伏線なのですが)、
「(黒人は)やっぱり……“アッチ”のほうは強いの?」といった台詞も、
人種ネタを扱ってきたコメディ映画では古くから定番の台詞です
(やはりこれらの台詞も本作では重大な伏線となっているのですが)。

とどのつまり、本作はあらすじがそのままでも見せ方さえ変えれば、
分かりやすいブラックコメディ映画に仕上がるのではないでしょうか。
ジム・キャリーが奇怪な電気配線工を演じたベン・スティラー監督作
ケーブルガイ』(1996年)のジャンルが“ホラーコメディ”なのか
“愉快なホラー”なのかを見極めるのが難しいことから分かるように、
笑いと恐怖は紙一重どころか、時に表裏一体ですらあり得るのです。

本作は黒人差別をテーマにした史上初のホラー映画であるとともに、
黒人差別の問題を真正面から告発した社会派の映画でもあります。
そして、コメディに至上の価値を見出す私としては、やはり本作を
現代社会における一種の“ブラックコメディ”と認識してしまうのです。
それはホロコーストや原爆投下をも“コメディ”の枠内に収めかねない
危険な認識でもあり、誠実な説明を必要とする解釈なのですが──。



『キアヌ』を観た時に分かったことなのですが、ジョーダン・ピールは、
作品をウェルメイドに仕上げる“ニール・サイモン的な”創作者です
(それは必ずしもサイモンと同じような作風であるという意味ではなく、
したたかなシナリオをさりげなく仕立てる名手という意味ですが)。
本作の脚本も実に巧妙かつ抑制的に伏線が張りめぐらされていて、
展開や結末を分かった上でもう一度観たいと思わされてしまいます。

謎の黒人男性(ラキース・スタンフィールド)の「Get Out!!!」という
台詞の意味が後になって明らかになったり、クリス(カルーヤ)の
少年期のトラウマが終盤の展開を生んだりといった脚本上の仕掛け、
ローズ(ウィリアムズ)がミルクとシリアルを“隔離”して飲食したり、
Run Rabbit Run』を恐怖のテーマ曲として使用したりといった
演出上の効果など、細部に至るまで計算が行き届いているのです。

それとともに、やはりこれも『キアヌ』の鑑賞時にも感じたことですが、
ピールは作品に“優しさ”を漂わせるのが上手な作家でもあります。
というより、彼の携わる作品からは自然と“優しさ”が滲むのでしょう。
本作でもTSA(運輸保安庁)職員のロッド(リルレル・ハウリー)という
キャラクターの存在するおかげもあって、“ホラー映画”でありながら、
随所で人間の“心”の在りかを感じさせられる仕様になっていました。



▲ 『レイト・ナイト・ウィズ・セス・マイヤーズ』 (NBC) 2018年1月9日放送分より



 <追記 1>
本作は様々なホラー&スリラー作品へのオマージュに溢れています。
『ステップフォード・ワイフ』(1975年)などの影響を受けていることは
ピール自身が公言している通りですが、幻想文学ファンの私としては、
H・G・ウェルズの小説『亡きエルヴシャム氏の物語』(1896年)との
ある重要な類似性についても言及しておかないわけにはいきません。
ネタバレになるので詳細は控えますが、いずれにせよ怪奇小説です。

 <追記 2>
前述の“キー&ピール”の映画『キアヌ』で“3人目の主人公”を演じた
ティファニー・ハディッシュは、本作にも出演を打診されていましたが、
ホラー映画が苦手だからという理由でオファーを断ったそうです。
そして、ピールの“相方”キーは本作に参加していないのかというと、
本編終盤の某シーンに写真のみで“出演”しています(ノンクレジット)。
気付く観客はほぼ皆無でしょうが、何とも心ニクい趣向ではあります。

 <追記 3>
誤解を恐れずに申せば、差別されることに“慣れた”人々でなければ、
本作の怖さを本当の意味で実感することは難しいのかもしれません。
なぜなら本作は、(繰り返しになりますが)特定の被差別属性が
狙い撃ちにされることの恐怖をストーリーの根幹としているからです。
この恐怖は“グレムリン”に襲われる恐怖とはまた違う独特なもので、
被差別の経験がなければ理解し切れないものではないでしょうか──。
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