2017年10月25日

モンティ・パイソンとの遭遇 『静かなる情熱 エミリ・ディキンスン』


先日、岩波ホールで
映画『静かなる情熱 エミリ・ディキンスン』を観ました。

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 <あらすじ>
19世紀の北米に生まれたエミリ・ディキンスン(シンシア・ニクソン)は
恵まれた資産家の家庭に育ち、家族や友人からも愛されていた。
進歩的な考えを持っていたことから他者と衝突することも多かったが、
愛する母の死を境に心を閉ざし、屋敷の自室に引きこもるようになる。
やがて彼女の精神と肉体は「ブライト病」という難病に襲われ始め……。



エミリ・ディキンスンといえばアメリカを代表する19世紀の詩人であり、
現在に至るまでアメリカ内外の文化に影響を与え続けている女性です。
J・D・サリンジャーの小説『ライ麦畑でつかまえて』(1951年)にも、
主人公の弟が評価していた「戦争詩人」としてその名前が登場します。
彼女は「生前わずか10篇の詩を発表し、無名のまま生涯を終え」、
1800篇近くに及ぶ未発表の詩稿が没後になってから発見されました。

劇中においてディキンスンは攻撃的な人物として描き出されています。
静謐な存在として「詩人」をイメージしてきた人々は、映画を観ながら
「なぜ彼女はそこまで外部に反抗するのか」と感じたかもしれません。
精神科医の帚木蓬生は著書『ネガティブ・ケイパビリティ』(朝日選書)で、
ジョン・キーツの言葉を紹介しながら「詩人」の在り方を解説しています。

 「詩人はあらゆる存在の中で、最も非詩的である。というのも詩人はアイデンティティを持たないからだ。詩人は常にアイデンティティを求めながらも至らず、代わりに何か他の物体を満たす。神の衝動の産物である太陽や月、海、男と女などは詩的であり、変えられない属性を持っている。ところが、詩人は何も持たない。アイデンティティがない。確かに、神のあらゆる創造物の中で最も詩的でない。自己というものがないのだ。」

 ここに至って、キーツの真意がようやく読み取れた気がしました。アイデンティティを持たない詩人は、それを必死に模索する中で、物事の本質に到達するのです。

── 帚木蓬生 『ネガティブ・ケイパビリティ』 (朝日選書) p.6-7

他者や社会などの外部から信仰や“女性性”を強制されることを否定し、
それらに反抗することで「自由」を確かめようとしたディキンスンは、
自らの力でもって愛別離苦という現実に対処するしかありませんでした。
いわば彼女はゼロの地点から宗教哲学を構築しようとしていたのです。
「物事の本質」を知るために「必死に模索」する人物が情熱的であり、
外部に対して攻撃的ですらあるのは、ある意味では自然なことでしょう。



さて、この伝記映画を観ていてびっくりさせられたことが一つあります。
それは、場面を印象的に盛り上げるための劇伴(BGM)として
ミュージカル『スパマロット』(2005年初演)の楽曲が使われていたこと!
19世紀アメリカの詩人を描いたドラマチックな伝記映画を観ていたら
なぜかモンティ・パイソンのミュージカルナンバーが流れてきたのだから、
中学生の頃からのパイソン狂としては驚きの念を禁じ得ませんでした。

本作で使用されたのは『I'm All Alone』という第二幕のナンバーで、
作詞・作曲はもちろんエリック・アイドルとジョン・デュ・プレです。
初演ではティム・カリーとマイケル・マクグラスがこの曲を歌唱しました。
メロディそのものは美しく、歌詞も素直に読めば感動的ではあるものの、
『スパマロット』の物語上では笑いを(も)誘う曲と位置付けられています。

当然ながら(?)本作で使われたのはインストゥルメンタル版でしたが、
それでもモンティ・パイソン発のミュージカルの冗談混じりの楽曲が
エミリ・ディキンスンの伝記映画に使われたことには変わりありません。
私としては思いがけぬ「ギフト」に遭遇したかのような気分になりました。
ディキンスンがアメリカ文化に影響を与え続けている人物だとすれば、
パイソンズもまた世界中に影響を与え続けている存在だと言えそうです。


▲ 『モンティ・パイソンのスパマロット』 ブロードウェイ公演 (2005年) より
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2017年10月15日

君はすでにスターだ! プロップコメディ界の雄、“テープ・フェイス”


今更ですが、アメリカ・NBCの公開オーディション番組
『アメリカズ・ゴット・タレント』のシーズン11(2016年)に、
「The Boy With Tape On His Face」が出演していたのを知りました。

▲ 『アメリカズ・ゴット・タレント』 シーズン11 (2016年5月〜9月放送) より



『アメリカズ・ゴット・タレント』とは
 老若男女問わず歌手だけでなく、ダンサー、マジシャン、コメディアンなど様々なジャンルのパフォーマーが賞金100万ドルをかけてオーディションを行なうスター発掘番組である。 (中略)
 視聴者の投票により、アマチュアや世間によく知られていないパフォーマーが世に出る機会となる。
── Wikipedia



そして、「The Boy With Tape On His Face」とは
ニュージーランド出身、ロンドン在住のプロップコメディアンである
(言葉ではなく小道具を用いる笑いのことを「プロップコメディ」と呼ぶ)。

彼の本来のお名前(あるいは本名)は「サム・ウィルズ」と称うのですが、
口元に黒いガムテープ(?)を貼っている無言のキャラクター
「The Boy With Tape On His Face」こそが彼の代名詞です
(2016年頃からは簡略化して「Tape Face」と名乗っているようだが)。



数年以上前にもどこかで言及したはずだと思うのですが、
私はかつて「The Boy With Tape On His Face」にハマったことがあり、
一時期は YouTube で彼のステージ映像ばかりを視聴していました。

言葉を必要としない彼のパフォーマンスは誰にとっても分かりやすく、
少なくとも当時の私にとっては“とっつきやすい”お笑いだったのですね。

私の印象では、彼は2011年〜2012年に一つの“人気のピーク”を迎え、
世界中のコメディファンから注目を浴びる存在になりました。
外国でのツアー公演も組まれ、名実ともに国際的スターとなったのです。



──それでは「百聞は一見に如かず」ということで、
「The Boy With Tape On His Face」のステージ映像をご覧ください。
(すなわち、私がかつて繰り返し視聴していた動画の数々をご覧ください。)

▲ 『Comedy Rocks With Jason Manford』 (2011年1月14日放送) より

▲ 『Comedy At The Fringe』 (2011年8月放送) より

▲ 『The Comedy Proms』 (2011年8月27日放送) より



2011年12月には、毎年開催されているイギリス王室臨席公演
『ロイヤル・バラエティ・パフォーマンス』にもゲスト出演し、
この年の公演の主賓であったアン王女とも握手を交わしています。

▲ 『The Royal Variety Performance 2011』 (2011年12月5日) より




それなのに、それなのに……

とっくに世界中のプロップコメディアンやマイマーが憧れる存在──
──になっていたはずの「The Boy With Tape On His Face」が、
“無名人”のためのスター発掘番組『アメリカズ・ゴット・タレント』に、
芸名を「Tape Face(テープ・フェイス)」と改めた上で出場していたなんて!

個人的には、素人オーディション番組に早野凡平先生が出てきて、
審査員から「なんだこのおっさんは。大丈夫か?」的な視線を送られつつ、
最終的には「あらまあ、意外に面白いじゃないの」と論評される──
──といったテイストの、モヤモヤッとくる違和感を抱かざるを得ません。

しかも、番組のステージ上で彼が披露していたのは、
彼が昔から演じてきた“鉄板ネタ”とでも称うべきパフォーマンスばかり。
本来なら「審査されるべきもの」ではなく「ギャラを支払われるべきもの」。

「The Boy With Tape On His Face」の存在を知っている私にとって、
彼の『アメリカズ・ゴット・タレント』出場は切なさを感じる出来事でした。
(だって、素人落語大会に若手真打ちが出ていたら切ないじゃないですか。)



彼の『アメリカズ・ゴット・タレント』出場に際して何より残念だったのは、
なぜか目の周りに濃厚なアイラインが引かれてしまったこと。
アイラインのせいで、かつては目元から放たれていた愛嬌が失われ、
「Tape Face」は人工的かつ警戒的なクラウンになってしまっています。

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彼がアイラインを引くことにしたのは、おそらくはプロデューサーから
「口にテープを貼っているだけじゃインパクトが足りないんだよな〜」などと
言われたからなのでしょうが、それにしてもこれは本当に残念、悲しい。

もしも「Tape Face」が何かの間違いでこのブログを読んでいたら、
今からでも遅くないからアイラインを引くのはやめろと申し上げたいです。
(そもそも、彼が日本語を読める可能性は限りなくゼロに近いだろうが。)



ちなみに、番組の結果を申し上げると、「Tape Face」は
ファイナリストには残ったものの、惜しくも(?)優勝は逃しました。

『アメリカズ・ゴット・タレント』の野暮で下品で馬鹿くさい審査員たちは、
自分たちの何十倍も“タレント”がある「Tape Face」を前にして
「こいつを優勝させたら洒落にならん……」とでも判断したのでしょうか。

──もっとも、本物の馬鹿であるメルB(メラニー・ブラウン)は
それ以前の問題として、ステージ上で目に余る醜態を演じていましたが。
(放送直後には彼女の態度をツッコむ記事がオンライン上にあふれた。)



個人的には一連の出来事に切なさを覚えざるを得ませんでしたが、
「世界的に有名な番組に露出したことで彼の名声が爆発的に拡散した」
と考えれば、『アメリカズ・ゴット・タレント』という低俗な番組への
「Tape Face」の出場も、実に効果的なチャレンジだったと言えるでしょう。

実際、『アメリカズ・ゴット・タレント』出場後の「Tape Face」は、
ヨーロッパのみならずアメリカでも公演の予定がびっしり埋まっています。

2016年の全英ツアーに続き、2017年には全米ツアーを成功させ、
さらに10月〜11月には一流ホテル「フラミンゴ・ラスベガス」で
計20日間に渡って単独ライブを開くという、従来以上の驚異の活躍ぶり。

何事も「Always Look on the Bright Side of Life
──あるいは「try positive thinking」が肝心なのですね、はい。
(イギリスのコメディアンの名曲を引用してきれいにまとめてみましたァ!)
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2017年10月09日

プレストンより愛をこめて 『ハロルド・ディドルボックの罪』


先日、シネマヴェーラ渋谷で
映画『ハロルド・ディドルボックの罪』(1947年)を観ました。
同時上映は『ロイドの人気者』(1925年)。

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 <あらすじ>
勤務先の社長(レイモンド・ウォルバーン)から突然リストラを宣告された
中年サラリーマンのハロルド・ディドルボック(ハロルド・ロイド)は、
路上でたまたま知り合ったノミ屋風の男・ウォーミー(ジミー・コンリン)に
地元のバーへ連れて行かれ、生まれて初めてカクテルを飲む。
すると、堅物だったはずのディドルボックの性格が急に変わってしまい……。



当時パラマウント映画を離脱したばかりだったプレストン・スタージェスが、
映画俳優としては引退状態にあった一昔前の“喜劇王”ハロルド・ロイドを
引っ張りだして製作したのが、本作『ハロルド・ディドルボックの罪』です。
1947年に『The Sin of Harold Diddlebock』のタイトルで公開されるも、
興行的には失敗し、プロデューサーのハワード・ヒューズの手によって
Mad Wednesday』と改題・再編集の上、1950年に再公開されました。

では、ロイドとスタージェスが協働した本作のその肝心の中身はというと、
ロイドの代表作の一つ『ロイドの人気者』(1925年)の続編と位置付けられ、
『ロイドの人気者』の主人公“スピーディ”の20年後の姿を描いています。
主人公の名字がなぜか「ラム」から「ディドルボック」に変更されているのは、
何か特別な意図があってのことでしょうか、それともただの凡ミスでしょうか。

本作の冒頭では『ロイドの人気者』のアメフトシーンが流用されていますが、
試合とは無関係の汽笛が鳴る──“スピーディ”は立ち止まる──カットは
観覧席の少年が応援の笛を鳴らすという新撮のカットに替えられています。
ヒロインのペギー(ジョビナ・ラルストン)が“スピーディ”を応援するカットも
社長(レイモンド・ウォルバーン)が登場する新撮のカットに差し替えられ、
ペギーは最初からその世界には存在していなかったことにされていました。



本作は“喜劇王”ロイドへのスタージェスのラブレターとも称うべき作品です。
一度聴いたら忘れられない、主人公ディドルボックの印象的な“奇声”は
「ロイドはトーキーでもイケるぞ」というメッセージ性さえ伴うギャグでした。
往年のロイド作品で定番だった動物とのやり取りもがっつり挿まれています
(『ロイドの人気者』の子猫は20年経ってライオンへと“成長”したのだ!)。
動物を決して粗雑に扱わず、むしろ尊重するところもやはり共通しています。

本作の見どころの一つ、高層ビルの外壁で繰り広げられるあれやこれやは、
ロイドの別の代表作『要心無用』(1923年)を連想させずにはいられない。
ディドルボックの妹(マーガレット・ハミルトン)がかけている「ロイド眼鏡」は
ロイドがかつて喜劇界のアイコンだった事実を観客に思い出させるものです。
さらに、スタージェス作品にしては拍子抜けするほど素直で優しい結末は、
まさしく往年のロイド作品の心温まるハッピーエンドを思わせるものでした。

スタージェスによるロイドへのトリビュートは目に見える部分に留まりません。
1920年代に“人気者”になったものの現在では忘れ去られた主人公が
逆境をバネに立ち上がる──というプロット自体が、ロイド本人と重なります。
ロイドはよくこの役柄を引き受けたものだと思いますが、このプロットからは、
一昔前の“喜劇王”を何事もなかったかのように銀幕に復帰させることで
ロイドに恥をかかせてはならないというスタージェスの配慮がうかがえます。



それでいてスタージェスは、いかにも自らの作品らしい脚本上のギャグ
──“姉妹”をめぐるヒロインとの台詞の応酬──にロイドを挑戦させています。
スタージェスが書いた世界観の上にロイドが立っているというこの面白さ!
加えて、スタージェス作品の常連であるジミー・コンリンやルディ・ヴァリーが
ロイドと共演する様子は、ロイドと“スタージェス組”のコラボレーションを
視覚的にもはっきりと映しだす、喜劇映画ファンにはたまらない光景でした。

もっとも、現場ではロイドとスタージェスは衝突することもあったようですが、
出演者と演出家の対立は必ずしも作品を失敗に導くわけではありません。
事実、本作を「最も偉大な喜劇の一つ」「我がオールタイムベストの一本」と
評する映画ファンも少なくなく、本作は米国でカルト的人気を誇っています
(逆にこの作品を駄作としてこき下ろす批評には滅多にお目にかかれない)。

個人的には、“ロイドのドタバタ喜劇”としても“スタージェスの作品”としても
いささか物足りなさを感じてしまいましたが、いずれにせよ本作から、
チャップリンやキートンと並ぶ“喜劇王”ロイドに対するスタージェスの愛情と、
役者として新境地を開こうとするロイドの意欲が伝わってくるのは確かです。
ロイドとスタージェスという2人の天才がタッグを組んだ貴重な作品として、
『ハロルド・ディドルボックの罪』は喜劇映画史にその名を刻み続けるでしょう。
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